1. FICHA TÉCNICA
Título: “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)
Duración: 108 min.
Género: comedia dramática
Reparto: Jim Carrey (Joel Barish), Kate Winslet (Clementine Kruczynski), Kirsten Dunst (Mary Svevo), Mark Ruffalo (Stan), Elijah Wood (Patrick), Tom Wilkinson (dr. Howard Mierzwiak), Thomas Jay Ryan (Frank), Gerry Robert Byrne, Jane Adams (Carrie), David Cross (Rob), Ryan Whitney (Joel joven).
Guión: Charlie Kaufman
Productora: Focus Features
Música: Jon Brion
Fotografía: Ellen Kuras
Montaje: Valdís Óskarsdóttir
Diseño de producción: Dan Leigh.
Dirección artística: David Stein.
Vestuario: Melissa Toth
2. COMENTARIO
Historia que en muchas ocasiones nos gustaría que se hiciese realidad, poder borrar personas o momentos de nuestra mente. En este caso, Joel y Clementine ya no pueden el uno con el otro, y Clementine decide someterse a un borrado de memoria sin que Joel se entere. Pero Joel recibe una carta. A partir de ahí todo volverá a comenzar. Impresionante trabajo de montaje por parte del equipo de “Olvídate de mí” con sus saltos temporales, cambios de color del pelo de Clementine… que te obliga en todo momento a mantener la atención. El guión tardó tres años en hacerse, ya que Charlie Kaufman se estaba haciendo cargo también de otros guiones, y no tenía aún muy claro cómo abordar este. Sin embargo, viendo el magnífico resultado, merecieron la pena esos tres años de esfuerzo. Dicho guión no se siguió más adelante al pie de la letra, ya que a Michel Gondry le gustaba improvisar sobre la marcha, que surgiesen ideas nuevas durante el rodaje. De ahí la originalidad. Una cosa curiosa, es que los efectos especiales del film se hicieron a la antigua usanza, es decir, como en los comienzos del cine, con trucos visuales. Esto fue debido al ajustado presupuesto que llevaban y gracias también a los conocimientos de Gondry sobre los trucos que se utilizan en el teatro. A mi parecer, esto hace aumentar aún más el valor de la película. Otra de las cosas curiosas es, que vemos a Jim Carrey en un papel poco habitual, al igual que a Kate Winslet. Ambos parecen haberse intercambiado los personajes, ya que aquí Carrey encarna a un personaje taciturno, mientras que Kate interpreta a una chica bastante alocada e impulsiva. La originalidad y peculiaridad del guión le hizo conseguir 2 nominaciones al OSCAR al mejor guión.
RESEÑA "LAS CINCO CONDICIONES" (2003, Lars von Trier)
1. FICHA TÉCNICA
Título original: De Fem Benspænd (The Five Obstructions), 2003.
País: Dinamarca-Suiza-Bélgica-Francia.
Duración: 90 min.
Género: Experimental.
Reparto: Lars von Trier, Jorgen Leth (Jørgen Leth), Claus Nissen, Jacquline Arenal, Daniel Hernández Rodriguez, Patrick Bauchau, Alexandra Vandernoot.
Director: Lars von Trier, Jorgen Leth.
Guión: Lars von Trier, Jorgen Leth.
Productora: Almaz Film Productions, Panic Productions, Wajnbrosse Productions y Zentropa Real ApS
Fotografía: Kim Hattesen, Dan Holmberg.
Montaje: Daniel Dencik, Morten Hojberj, Camilla Skousen.
2. COMENTARIO
“Las cinco condiciones” es un film realizado por los directores (ambos protagonistas también del mismo) Lars von Trier y Jorgen Leth, a modo de documental, aunque más bien podríamos definirlo como género experimental con características de documental (cámara en mano, comentarios constantes…).
El film tiene su origen en 1967, cuando Jorgen Leth realizó un corto de 13 minutos titulado “El ser humano perfecto”. En él analizaba el comportamiento de las personas mediante una voz en off que iba haciendo comentarios y formulándose preguntas. A raíz de este corto, años más tarde, concretamente en el 2000, Lars von Trier decidió llamar a Jorgen Leth a participar con él en un film en el que debería hacer varios remakes de “El ser humano perfecto” con las condiciones que von Trier le impusiera. Con Lars von Trier al mando, Jorgen Leth debe someterse a las cinco reglas impuestas por von Trier para realizar remakes de su corto “El ser humano perfecto”. Estas reglas o condiciones son:
-CONDICIÓN 1 (“The perfect human. Cuba”) :
“Ningún corte puede superar 12 fotogramas” , Contestaciones a las preguntas, Cuba y ningún decorado.
-CONDICIÓN 2 (“The perfect human. Bombay”):
El sitio más miserable de la Tierra, no mostrarlo, Jorgen Leth es el hombre y la comida.
CONDICIÓN 3 (“The perfect human. Brussels”):
Completamente libre y volver a Bombay (a repetirla).
CONDICIÓN 4: Dibujos animados.
CONDICIÓN 5 (“The perfect human” a film by Jorgen Leth):
Lars von Trier pone la última condición, Jorgen Leth será acreditado como director en una película y Jorgen Leth leerá un texto escrito por Lars von Trier.
“Las cinco condiciones” es un film que muestra diversas formas de hacer una película, siempre desde la restricción, desde las normas, que en este caso, Lars von Trier impone a Jorgen Leth. Todos los diálogos sufren cortes muy radicales haciendo difícil la continuidad de los mismos, a lo que se añade bastantes pausas y monosílabos. También cuenta con una voz en off a lo largo de todo el film.
Orden no lineal con múltiples cortes en las conversaciones entre Lars von Trier y Jorgen Leth. Repetición de encuentros entre von Trier y Leth para hablar de los remakes hechos por Jorgen con las condiciones que Lars le va poniendo. Paso del tiempo representado por esos cortes, ya que el tiempo de realización de los remakes duró unos 3 años y el tiempo de la película es de unos 90 minutos.
Personalmente, creo que si su intención era mostrar los procesos creativos, estos no se ven, únicamente vemos el resultado de lo que tienen en mente Lars von Trier y Jorgen Leth. Como juego es interesante, sobre todo la creación de los dibujos animados (condición 4ª) en la que Leth aúna todo el trabajo de las anteriores condiciones. Quizá veo necesaria una explicación de por qué el remake con condiciones y por qué esas condiciones y no otras. Creo que deja al espectador completamente pasivo y a la espera de una explicación.
- ANÁLISIS FÍLMICO "EL MAGO DE OZ" (1939), Victor Fleming
1. FICHA TÉCNICA
Título: “El Mago de Oz” (The Wizard of Oz) estrenada en 1939, estuvo dirigida por Richard Thorpe, King Vidor y Victor Fleming.
Duración: 101 minutos
Género: Fantástico, musical y de aventuras.
Reparto: Judy Garland (Dorothy Gale), Frank Morgan (Profesor Maravillas/El mago de Oz), Ray Bolger (Hunk/espantapájaros), Bert Lahr (Zeke/león cobarde), Jack Haley (Hickory/hombre de hojalata), Billie Burke (hada del norte), Margaret Hamilton (Srta Gulch/bruja del oeste), Charley Grapewin (tío Enrique), Clara Blandick (tía Em)
Guión: Noël Langley, Florence Ryerson, Edgar Alan Wolfe (Cuento: Frank L. Baum)
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Louis B.Mayer y Mervyn LeRoy.
Música: Herbert Stothart (Canción: E.Y. Harburg & Harold Arlen)
Fotografía: Harold Rosson
Decorados: Cedric Gibbons, William A. Horning
Efectos especiales: Jack Dawn (maquillaje)
Sinopsis: Narra las aventuras de Dorothy Gale (junto con tres amigos: un espantapájaros, un hombre de hojalata y un león) por el mundo fantástico de Oz, en el que se ve inmersa debido a la conmoción que sufre durante un tornado que arrasa la granja donde ella vivía con sus tíos.
Dorothy emprende la búsqueda del mago de Oz, el único que podrá devolverla a su hogar, pero por el camino una malvada bruja intentará impedirlo a toda costa.
Observaciones: 6 nominaciones al Oscar, obteniendo 2 de ellos, uno por mejor canción original y otro por la B.S.O, en 1939.
2. ANÁLISIS FÍLMICO
El film está basado en un cuento infantil de L.Frank Baum publicado en 1900, tras el cual continuó con una serie de historias sobre los mismos personajes.
Se hizo una versión teatral del mismo que fue estrenada en Chicago en 1902 y más adelante representada en Broadway. Hubo unas primeras adaptaciones cinematográficas en 1910 y 1925, tras las cuales llegó “El Mago de Oz”producida por la MGM y protagonizada por Judy Garland.
“El mago de Oz”,perteneciente a la época gloriosa de Hollywood, fue encargada al responsable de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer, Louis B.Mayer, junto a Mervyn LeRoy (productor y director de prestigio). El rodaje comenzó con Richard Thorpe, siendo este despedido a las pocas semanas porque no terminaba de convencer su enfoque. Le siguió George Cukor, que estaría solo hasta el comienzo del rodaje de “Lo que el viento se llevó”. Tras él llegó Victor Fleming, que rodó la mayor parte del metraje, pero también hubo de abandonar puesto que fue llamado a dirigir “Lo que el viento se llevó” tras el despido de G.Cukor. Finalmente, para terminar la película, fue contratado King Vidor, que se hizo cargo de las filmaciones en sepia.
La estructura narrativa es completamente lineal, con su principio (Dorothy entra en un sueño en el cual está en la tierra de Oz), el desarrollo del mismo (búsqueda del mago que podrá devolverla a su hogar) y el desenlace (encuentra al mago y consigue volver a casa, que sería a su vez, despertar del sueño).
La mayor parte de los planos son generales o primeros planos con ángulo normal o neutro en todo momento, desarrollándose la escena delante de la cámara sin que ésta efectúe ningún movimiento.
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| Judy Garland cantando "Over the rainbow" |
El film dispone de dos partes claramente diferenciadas, una que sería la realidad (comienzo y final de la película) filmada en tono sepia y otra que sería el sueño de la protagonista usando la técnica de Technicolor. De hecho, los zapatos o chapines de Dorothy en su origen, al igual que en el libro, eran plateados, pero se decidió finalmente que el rojo haría mayor gala de todo el despliegue de color de la filmación.
En cuanto a la música, E.Y. Harburg y Harold Arlen compusieron los temas “We're Off to See the Wizard”, “The Merry Old Land of Oz”,“Ding-Dong! The Witch is Dead” especialmente para el film en unos dos meses. H. Arlen creía que la película requería también de una balada para establecer un equilibrio. Esta balada, llegó un día a oídos de Harold Arlen, que apuntó el nombre de la melodía y, al tiempo , ya estaba incluida en el film. Se trataba de “Over the rainbow”.
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| "We`re off to see the wizard" |
Prácticamente todas las escenas se rodaron en interior mediante decorados en los estudios de la Metro-Goldwin-Mayer. En varias ocasiones se recurrió a la pintura mate para trucar decorados.
Curiosidades
El maquillaje causó varios problemas a lo largo del rodaje. El primer actor que iba a interpretar al Hombre de Hojalata (Buddy Ebsen) hubo de ser sustituido por Jack Haley, ya que el maquillaje que se utilizaba para simular el metal (polvo de aluminio) era tóxico y le produjo una grave reacción alérgica.
Para más inri, de dicho disfraz surgía una especie de vapor que hacía que el perro que interpretaba a Totó saliese corriendo cada vez que lo veía. Una de esas veces, un actor que interpretaba a un guardia de la bruja lo pisó sin querer y el perro hubo de ser sustituido.
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| Jack Haley |
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| Bert Lahr |
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| Margaret Hamilton |
Siguiendo con los problemas del maquillaje, el actor que interpretaba el papel del León Cobarde (Bert Lahr) debió de pasarlo mal, ya que en su maquillaje facial se incluía una bolsa de papel marrón que le impedía comer y beber.
Hubo también complicaciones con el aparato encargado de crear el humo para las desapariciones de la bruja del Oeste, éste tuvo una avería y estuvo a poco de quemar a la actriz Margaret Hamilton.
En cuanto al rodaje, al parecer, Victor Fleming únicamente pudo hacerse cargo de la parte en color, ya que se ausentó para pasarse al rodaje de “Lo que el viento se llevó”,dejando el rodaje de las secuencias en blanco y negro a King Vidor.
Comentario personal
Excelente película que te invita a internarte en un mundo fantástico en el que lo bueno y lo malo te hacen vibrar olvidando dónde te encuentras y qué edad tienes.
Hubo también complicaciones con el aparato encargado de crear el humo para las desapariciones de la bruja del Oeste, éste tuvo una avería y estuvo a poco de quemar a la actriz Margaret Hamilton.
En cuanto al rodaje, al parecer, Victor Fleming únicamente pudo hacerse cargo de la parte en color, ya que se ausentó para pasarse al rodaje de “Lo que el viento se llevó”,dejando el rodaje de las secuencias en blanco y negro a King Vidor.
Comentario personal
Excelente película que te invita a internarte en un mundo fantástico en el que lo bueno y lo malo te hacen vibrar olvidando dónde te encuentras y qué edad tienes.
Buena forma además, de conocer los inicios del cine hollywodiense, sus técnicas, tipos de decorados y efectos, caracterizaciones, etc.
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- ANÁLISIS FÍLMICO "CIUDADANO KANE" (1941), Orson Welles
1. FICHA TÉCNICA
Título: “Citizen Kane” o “Ciudadano Kane”, estrenada en 1941.
Duración: 119 minutos.
Género: Drama.
Reparto: Orson Welles (Charles Foster Kane), Joseph Cotten (Jedediah Leland), Dorothy Comingore (Susan Alexander Kane), Agnes Moorehead (Mary Kane), Ruth Warrick (Emily Monroe Norton Kane), Ray Collins (James W. Gettys),Erskine Sanford (Herbert Carter), Everett Sloane (Sr. Bernstein), William Alland (Jerry Thompson), Paul Stewart (Raymond),George Coulouris (Walter Parks Thatcher), Fortunio Bonanova (Signor Matiste)
Guión: producida y co-guionada por Orson Welles junto a Herman J.Manckiewicz.
Productora: RKO / Mercury Theatre Productions.
Música: Bernard Herrmann
Fotografía: Gregg Toland (B&W)
Sinopsis: El argumento gira en torno a la última palabra dicha por el multimillonario Charles Foster Kane antes de morir, “rosebud”. Un periodista, Thompson, comienza a investigar el origen de dicha palabra entrevistando a algunas de las personas más cercanas a Kane.
Observaciones: Charles Foster Kane hace referencia a un personaje real, el magnate William Randolph Hearst. La película en principio iba a titularse “American”. Obtuvo 9 nominaciones al Oscar en 1941, consiguiendo el de mejor guión original.
2. ANÁLISIS FÍLMICO
El comienzo del film se da con la muerte del multimillonario Charles Foster Kane en su palacio de Xanadu. Tras éste hay una revisión a modo de documental de lo que fue su vida para pasar a las investigaciones que realiza el periodista Thompson tratando de establecer una relación entre la palabra que Kane pronunció antes de morir y la vida que éste llevó. Es aquí, en estos “interrogatorios” que Thompson hace a algunas de las personas que mejor pudieron conocer a Kane, cuando la estructura lineal se rompe para dar paso a idas y venidas en el tiempo (flashbacks).
Encontramos una referencia al paso del tiempo a través del gigantesco puzle que va haciendo Susan Alexander en el tiempo que permanece en la mansión de Xanadu junto a Kane.
Se hace uso de los primeros planos para mostrar la expresividad y carácter de los personajes, como vemos en los numerosos planos en los que aparece una persona de espaldas en primer plano a un lado de la cámara (por ejemplo el periodista cuando está realizando las entrevistas), otra persona en segundo plano (en este caso el entrevistado), e incluso llega a haber una tercer persona o personas de fondo, como es el caso de la escena en la que la madre de Kane, el padre y Thatcher discuten sobre el destino de Kane, el cuál quedará bajo la tutela de los altos mandos de un banco; o la escena en la que el periodista va a entrevistar a la segunda mujer de Kane, y realiza una llamada a su jefe desde el bar donde se encuentran. En ambas vemos a un personaje en primer plano, uno en segundo plano y otro en tercer plano.
El ángulo contrapicado es muy utilizado a lo largo del film para realzar el dramatismo de la escena. Sin embargo el picado apenas aparece, más que para mostrar una imagen general como pudiera ser pilas de periódicos cuando Kane se hace con el Inquierer, o, al final cuando vemos las miles y miles de cajas con estatuas y trastos acumuladas por Kane durante toda su vida; o, para empequeñecer, como es en la escena en la que Susan Alexander, segunda esposa de Kane, se encuentra sentada en una alfombra en una habitación suplicándole que la permita dejar de cantar en teatros y él se acerca a ella con autoridad, ensombreciendo (literalmente) a su esposa.
Respecto a la iluminación y fotografía del film, hay un juego de luces y sombras en algunas escenas como por ejemplo al principio la discusión de algunos periodistas en una sala tras ver una proyección sobre la vida de Charles F.Kane. No se les ve la cara, únicamente la silueta.
Otro ejemplo, cuando el periodista Thompson llega a una sala donde se encuentra un libro, también sobre la vida de Kane, que desea consultar para buscar cualquier referencia a la palabra “rosebud”: siluetas en negro y luces directas. Con todo esto, O.Welles nos muestra que con una cuidada iluminación es posible la construcción de las imágenes, sin olvidar la composición. La persona encargada de la fotografía, Gregg Toland, comenzó como asistente del director de fotografía George Barnes, en Hollywood. Se especializó en el uso de la profundidad de campo, los estudios techados, los claroscuros y los contrastes de estilo expresionista y en filmar en espacios reducidos.
En cuanto a movimientos de cámara, hay dos tipos de travelling: el mismo para comenzar y cerrar la película que consiste en subir una verja, para ver finalmente el palacio/mansión de C.F. Kane en Xanadu, como si estuviera metida la cámara dentro de un ascensor (al final del film, el travelling es a la inversa). Esto nos recuerda al comienzo de “El último”(1924) de F.W.Murnau o de "Rebecca" de Alfred Hitchcock.
Y el otro, en la escena donde el periodista entrevista a la segunda (ex)esposa de Kane, que comienza con la imagen del cartel del bar (que pertenece a Susan A.) situado en el tejado, la cámara atraviesa las letras, avanza, y se mete por el tejado de cristal/plástico (que parece un invernadero) para bajar y llegar finalmente a la mujer, que se encuentra en una mesa del bar medio tumbada y ebria. Al finalizar la escena, la cámara sale igual que ha entrado.
Respecto a la psicología de los personajes, como no podría ser de otra manera, C.F. Kane, encarnado por Orson Welles, es el que ofrece más juego por su fuerte personalidad. A él se le conceden todo tipo de planos y angulaciones, juegos de luces y sombras, gran expresividad, etc.
En segundo lugar en cuanto a interés, quizá podríamos situar a su segunda esposa, Susan Alexander, en la cual vemos un continuo cambio lo largo del film, desde su primera aparición fría y simple, pasando por su esfuerzo en mejorar en el canto por y para Kane, su agotamiento debido a este esfuerzo, su sufrimiento por su soledad en la gran mansión en Xanadu hasta en último lugar su adicción a la bebida.
Un personaje que queda más a la sombra, a pesar que durante todo el film no deja de reivindicar ser el mejor amigo de Kane, es Leland.
No llegamos a ver del todo al periodista, que es el que encauza el argumento y permite, de alguna manera, el desarrollo de la estructura narrativa del film gracias a su “búsqueda” e interés en conocer la vida del millonario y la relación de “rosebud”con éste.
Comentario personal
Magnífica película de un jovencísimo Orson Welles, que nos hace disfrutar tanto con la parte narrativa como con la parte formal de ésta.
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